REPULSIÓN

Director: Roman Polanski
Año: 1964
Género:Thriller / Terror
Nacionalidad:Gran Bretaña
Productor: Gene Gutovski
Guión: Gerard Brach y Roman Polanski
Fotografía: Gilbert Taylor
Música: Chico Hamilton
Duración: 104 min

Reparto: Catherine Deneuve, Ian Hendry, John Fraser, Yvonne Furneaux, Patrick Wymark, Renee Houston, Helen Fraser, Monica Merlin


Sinopsis: Una bella aunque sexualmente reprimida joven, Carol Ledoux, vive junto a su hermana Helen en un apartamento de Londres. Con sentimientos simultáneos de atracción y repulsa hacia el sexo, Carol es una virgen que encuentra extremadamente molesta la relación de su hermana con un hombre casado, Michael. Cuando su hermana y Michael se marchan de vacaciones, Carol comienza a desmoronarse mentalmente, sufriendo una serie de alucinaciones que la llevarán a cometer varios asesinatos.

Critica: Repulsión rodado en inglés y con protagonismo de una excelente Catherine Deneuve, se puede entender como un film de terror (aunque no siga las pautas del cine de género), pero también se puede ver como un drama psicológico, aunque el film, como suele ocurrir en el caso de una película de autor, y ésta lo es, escapa a cualquier simplificación, erigiéndose en una obra inclasificable y extraña, además de una de las mejores de su autor.
Carol (Deneuve) trabaja en una peluquería y vive con su hermana, Helen (Yvonne Furneaux), en una ambiente aparentemente apacible y entrañable. La minuciosa descripción que el film hace de este entorno resulta enormemente importante para elevar el impacto del horror que vendrá a continuación, y ubicar dentro de un panorama normal, un resquicio de extrañeza, donde la mente de Carol se convertirá en un lugar mucho más terrorífico que sus propias acciones.

El film se divide en tres actos.

1. La mencionada descripción del entorno por el que deambula Carol, integrado principalmente en un marco realista, pero que no impiden que poco a poco se vaya perfilando la mentalidad esquizoide de Carol mediante la inserción de detalles reveladores (su mirada perdida, sus pocas palabras, su desprecio al amante de Helen, su extraño comportamiento ante su amigo, etc.).
2. La joven muchacha se desmorona por completo, ocultándose en su casa, creando un universo propio, inaccesible desde el exterior y que deviene en el asesinato de dos hombres, que, ignorantes del estado real de Carol, la acorralan con diferentes intenciones y de distinta manera
3. El regreso de Helen y su amante a casa desvela un cuadro atroz, que escapa a una explicación lógica, sobre todo, desde su perspectiva, y que, se detiene, coherentemente, en el impacto que produce tanto a la pareja como a los vecinos (mención especial para los diálogos que Polanski y Brach ponen en boca de estos repelentes vecinos, en contraste con la decidida -y lógica- actuación del amante de Helen).

Repulsión no sólo se beneficia del extraordinario rigor narrativo con el que Polanski cuenta la historia, también de su habilidad para mostrar, mediante la imagen y el sonido, la involución de Carol: la metáfora del agrietamiento del suelo de la ciudad, presente en el primer acto, por tanto, reales, y la del apartamento, imaginadas por Carol, éstas últimas más pronunciadas y acompañadas de un sonido perturbador, ofrecen un efectivo paralelismo con la mente resquebrajada de la joven; las escenas, cámara al hombro, que siguen a Carol andando como un zombie por la calle; las patatas y el conejo que van creciendo y pudriéndose, respectivamente, en el apartamento ante la indiferencia de Carol; las llamadas telefónicas, que hacen que el sonido del teléfono produzca una rara sensación de desasosiego... Merece detenerse en una de las mejores secuencias que ha rodado Polanski: el travelling final que recorre el apartamento destrozado por los acontecimientos y que se detiene en una foto familiar, encuadrando progresivamente a una adolescente Carol hasta introducirse en sus perdidos ojos y cerrando una historia que empezaba igual, con el plano del ojo de la protagonista.
Repulsión, segundo largometraje de Roman Polanski, que recuerda tanto a Buñuel como, en menor medida, al cine de David Lynch, sobre todo, en la creación de «situaciones extrañas y pequeños mundos aislados» , y, como no, a Hitchcock aunque no tanto como se suele asegurar, se revela, no obstante, como la obra de un realizador con personalidad y estilo propios.

LA NARANJA MECÁNICA

Titulo Original: A Clockwork Orange
Año: 1971
Pais: EEUU
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick basado en la novela de Anthony Burgess
Fotografia: John Alcott
Genero: Drama/Violencia

Reparto: Malcolm McDowell (Alex De Large), Patrick Magee (Mr. Alexander), Michael Bates (jefe de guardas Barnes), Warren Clarke (Dim), John Clive (actor teatral), Adrienne Corri (Mrs. Alexander), Carl Duering, Paul Farrel, Clive Francis, Michael Gover, Miriam Karlin, James Marcus, Aubrey Morris, Anthony Sharp, David Prowse

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Sinopsis: Las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultraviolencia y Beethoven. Alex tiene sus propios métodos para divertirse y descargar su tremenda agresividad y lo consigue disfrutando a expensas de la tragedia y la desgracia de los demás. La historia de Alex, desde sus comienzos como delincuente sin moral hasta convertirse en un civilizado ciudadano integrado en la sociedad tras someterse a un tratamiento capaz de eliminar sus instintos violentos, forman la dinámica e impactante visión futurista de la novela de Anthony Burgess. Imágenes inolvidables, sobrecogedoras notasmusicales y fascinantes diálogos. Kubrick da forma y desarrolla todos los elmentos creando una fulgurante producción. Enormemente polémica en su estreno, La naranja mecánica recibió los Premios a la Mejor Película y Mejor Director de los críticos de cine de Nueva York, consiguiendo ademas cuatro Nominaciones a los Premios de la Academia, incluído el deMejor Película. El poder de su técnica es tan grande que nunca dejará de impresionarnos, nos conmueve y se apodera de nuestras emociones. La naranja mecánica es tan hermosa de ver y de oir que deslumbra los sentidos y la mente.

Crítica: La película de Stanley Kubrik se caracteriza por extremas audacias de experimentación formal: acelera o ralentiza el tempo narrativo, utiliza la composición en friso durante la escena en que la pandilla actúa como conductores suicidas, utiliza a veces la cámara manual y el gran angular, recurre al collage con fragmentos de películas antiguas, en algunas ocasiones anticipando la técnica del videoclip, engendra el género de las películas ultraviolentas, que tanto juego daría posteriormente, y utiliza la innovadora música electrónica en el recién creado sintetizador Moog del compositor Walter Carlos, ahora Wendy Carlos tras su cambio de sexo. La estética de la película, así mismo, es rompedora en el lenguaje y en el ímpetu desmitificador y cínico que trasluce. El mensaje moral, si lo tiene, se encuentra en el discurso del párroco de la prisión tras la humillación del protagonista reeducado.También hallamos un mensaje de índole moral/social al comienzo de la película donde Alex y sus drugos encuentran al viejo borrachín y este los enfrenta.
El guión, sin embargo, se inspira en la edición estadounidense de la novela que carecía del último capítulo en que el protagonista se regenera. La película es tan violenta que Kubrick prohibió que se estrenase en Inglaterra, donde vivía, y dio origen a imitaciones insensatas por parte de bandas ultraviolentas.

Curiosidades:

• El libro está escrito con abundancia de expresiones Nadsat, una supuesta jerga adolescente basada en el idioma ruso. Burgess escribió que su libro, leído de forma sistemática, suponía un curso de ruso. El autor utilizó este recurso para hacer atemporal el libro, ya que el paso del tiempo mostraría en la sintaxis y vocabulario un libro no actual. De este modo, al elegir una forma artificial para narrar el argumento, éste nunca sufriría cambio por el paso del tiempo.
• El título original de la película es "The Clockwork Orange". "orange", en inglés significa "naranja", pero en verdad proviene de otra palabra: "ourang", una palabra de Malasia donde el autor del libro, Anthony Burgess, vivió durante varios años. Esta palabra tiene otro significado y es el de "persona". De esta manera, el escritor hizo un juego de palabras, y realmente, lo que el título significa es "El hombre mecánico". Es decir, Álex después de aplicarle el tratamiento Ludovico
• Al principio de la película pueden darse cuenta de que es la misma canción con la que comienza "El Resplandor" pero con ciertos arreglos
• El director Stanley Kubrick solicitó a la agrupación inglesa: Pink Floyd, utilizar la música de su disco "Atom Heart Mother" para la película, pero la banda lo rechazó
• Antes de que el director Stanley Kubrick llegase a estar envuelto en la película, fueron considerados varios repartos para Alex y sus "drugos", como chicas en minifalda, jubilados...
• Kubrick hizo deliberadamente continuos errores en la escena inmediatamente despuésde la escena en la que Frank Alexander descubre quien es verdaderamente Alex. Los platos se mueven alrededor de la mesa, y el nivel del vino en el vaso cambia varias veces para crear una sensación de desorientación al espectador
• En la película hay multitud de referencias a L.V. Beethoven. El centro donde Alex recibe la terapia se llama Centro Médico Ludovico (Ludwig). Cuando Alex comienza a pelear con la mujer de los gatos, éste usa un pene enorme como arma, y la mujer le ataca con un busto de Beethoven
• El suicidio de Alex (Malcolm McDowell) se consiguió tirando la cámara desde un tejado. En el sexto intento la cámara cayó por delante, como se pretendía y el motor quedó intacto
• Kubrick insistió en que la leche que había en los surtidores del Korova Milkbar fuera cambiada cada hora, ya que, debido al calor de los focos, se cuajaba en sus depósitos
• Hacia 1968, Mick Jagger, líder de los legendarios "The Rolling Stones", se interesó por llevar al cine "La naranja mecánica". El interpretaría a Alex, mientras que el resto de los "Stones" -Bill Wyman, Charlie Watts, Keith Richards y Brian Jones- serían los "drugos". Por supuesto, Anthony Burgess se negó en redondo

EL PIANISTA

Dirección: Roman Polanski.
Países: Francia, Alemania, Reino Unido, Polonia, Holanda.
Año: 2002.
Duración: 148 min.
Guión: Ronald Harwood; basado en la novela "El pianista del gueto de Varsovia" de Wladyslaw Szpilman.
Producción: Roman Polanski, Robert Benmussa y Alain Sarde. Música: Wojciech Kilar.
Fotografía: Pawel Edelman.
Montaje: Hervé de Luze.
Diseño de producción: Allan Starski.
Dirección artística: Sebastian T. Krawinkel.
Vestuario: Anna B. Sheppard.
Estreno en España: 13 Diciembre 2002.

Reparto: Adrien Brody (Wladyslaw Szpilman), Thomas Kretschmann (Capitán Wilm Hosenfeld), Daniel Caltagirone (Majorek), Frank Finlay (El Padre), Maureen Lipman (La Madre), Emilia Fox (Dorota), Ed Stoppard (Henryk), Julia Rayner (Regina), Jessica Kate Meyer (Halina), Ruth Platt (Janina).

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Sinopsis: Wladyslaw Szpilman (Adrien Brody), un brillante pianista polaco y judío, escapa de la deportación. Obligado a vivir en el corazón del ghetto de Varsovia, comparte el sufrimiento, la humillación y los esfuerzos. Consigue escapar y se esconde en las ruinas de la capital, donde un oficial alemán acude en su ayuda y le ayuda a sobrevivir.

Crítica (por Diego Vázquez): ¿Cómo retratar el horror cuando éste es al mismo tiempo tan incomprensible como humano? Desde dentro, responde Polanski con este film. Pocas veces se ha mostrado tan bien el holocausto judío como aquí, donde podemos seguir paso a paso cómo se fueron desmadrando las cosas, cómo de las pequeñas prohibiciones y de los primeros ataques a los derechos de un grupo de personas se pasó a aislarlos, encerrarlos, atacarlos y finalmente exterminarlos. Algunas de las escenas violentas mostradas en el film se encuentran entre las más brutales filmadas nunca sobre este tema, trasmitiendo a la perfección la fría locura que acompañó a este momento.
Todo está aquí visto desde los ojos de un artista, un pianista que no da crédito (como el espectador) a lo que sucede a su alrededor, que no es capaz de asimilar el horror, que trata de esquivarlo, aunque finalmente caiga, primero irremediablemente en sus fauces, para después ser salvado por un ángel del tipo más inesperado. El film posee una capacidad para dar una visión global sobre esos hechos y ofrecer muchas ramificaciones de la trama sin apenas dispersarse en su hilo conductor, aunque resultando evidente la potencia y pegada que gana cuando se convierte en un proceso íntimo y aislado dentro de los ojos del brillante actor Adrien Brody (del que ya habíamos podido ver grandes interpretaciones escondidas en películas de cineastas como Spike Lee, Terrence Malick o Ken Loach), obligado a sobrevivir como un Robinson en medio del Apocalipsis.
Si Polanski entrega en la primera mitad una cinta de narración clásica y calculada, casi documental, sin el más mínimo rastro de calor humano, una auténtica jauría nazi y judía (pues, como también sucedía en el magnífico cómic "Maus", hermano bastardo de este film, las luchas internas entre los judíos y la dispersión y sorpresa que les impidió rebelarse, también se muestran como un hecho importante de ese momento histórico), que camina por terrenos de extrema frialdad, con un ritmo a veces un poco desigual, aunque siempre dentro de una puesta en escena de alta precisión; es realmente en su segunda mitad cuando el film se salta sus limitaciones, que amenazaban con dejar un sabor a demasiado poco en el espectador, para zambullirse en los complejos terrenos de la metáfora humana y de las apariciones casi milagrosas, en medio de un ambiente de duermevela en el que navegamos con su protagonista, donde la poesía y la belleza pueden surgir en cualquier rincón (la salida del pianista de su refugio en un apartamento de un edificio sitiado y su encuentro con la ciudad en ruinas) y en donde la riqueza narrativa que posee Polanski (¿necesita ser demostrada aun a estas alturas?) se despliega en toda su magnificencia (véase toda la estancia del pianista en el apartamento y la utilización de los sonidos en off y de las imágenes robadas del exterior, siempre filmadas escrupulosamente desde el punto de vista de Brody). Esta desigualdad existente entre las dos partes es uno de los elementos que juegan en contra de una colocación del film a la altura de las más grandes obras del año, aunque sin duda no evita que sea una cinta que nadie con un mínimo de sensibilidad y de incontenible hambruna cinéfila debería perderse (ver al maestro en acción es un privilegio que nos ofrece en los últimos años con cuenta gotas).
Cada miembro del magnífico reparto, la dirección de fotografía, la música que interpreta el pianista y la original del film, así como todo el departamento de arte son dignos de mención y acaban por consolidar esa búsqueda de la obra de arte total emprendida aquí por Roman Polanski. La incomprensión que ha sufrido el film por parte de algunos críticos especializados desde su presentación en el Festival de Cannes (donde recordemos se alzó con la Palma de Oro), es una injusticia que el tiempo se encargará de colocar en su lugar. Lo más extraño lo encontramos en el hecho de que se le reprochara allí a Polanski el alejarse de su estilo surrealista y de su humor complejo, cuando esto es indudablemente una licencia artística completamente válida para abordar este tema y tampoco es la primera vez que este cineasta la lleva a cabo (de hecho el tono del film recuerda, salvando las distancias, a otros trabajos como "Frenético"). Resulta difícil afirmar que fuera el título que mereciera ganar aquel certamen, pues con la llegada continuada a nuestras carteleras y a los festivales de cine españoles de las obras allí exhibidas, se hace evidente que el nivel mostrado en aquella pasada edición fue altísimo, pero lo que sí es indudable es que se trata de un trabajo que por sí solo puede exhibir con orgullo este premio, lo que sin duda no es decir poco.

Sobre Wladyslaw Szpilman

Wladyslaw Szpilman tenía 27 años cuando estalló la guerra y ya era reconocido como uno de los pianistas polacos de conciertos más destacados. Estaba interpretando el Nocturno en Do menor sostenido de Chopin en la radio estatal polaca cuando la Luftwaffe bombardeó la emisora de radio hasta arrasarla.
Como judíos que eran, Szpilman y su familia fueron desalojados de su apartamento y apiñados junto con otros miles en el ghetto de Varsovia, donde el Pianista se ganó la vida como pudo, interpretando en los bares, en los que se reunían colaboradores y traficantes del mercado negro.
Fue uno de estos colaboradores judíos quien salvó a Szpilman del tren que llevó a su familia a la muerte en los campos de concentración. Gracias a una red de conocidos de antes de la guerra, a soldados de la resistencia y, sorprendentemente, con la ayuda de un oficial alemán, Szpilman sobrevivió a la guerra.
Después de la guerra, la radio polaca volvió a funcionar, con grandes apuros, y Szpilman completó el Nocturno de Chopin que había sido interrumpido tan brutalmente seis años atrás. El Pianista escribió sus memorias en 1946, pero las autoridades comunistas prohibieron el libro. El hijo de Szpilman quien, al igual que Polanski, nunca había hablado con su padre de la guerra, encontró el manuscrito y reeditó las memorias en 1999, que recibieron una gran aclamación internacional.
El libro de Szpilman es un vivo y gratificante relato de la vida en el ghetto y de cómo, sorprendentemente, logró escapar y sobrevivir. La fuerza del tema y de las emociones que genera, junto con la bonita y amplia gama de variados personajes secundarios, le convirtieron en una obvia fuente de inspiración para Roman Polanski, que ya se había encontrado con Szpilman en dos ocasiones.
En su tercer encuentro, a principios de 2000, Szpilman afirmó que era un gran placer para él que su libro se convirtiera en una película y que fuera su compatriota quien la dirigiera. Wladyslaw Szpilman falleció el 6 de julio de 2000, antes de que empezara el rodaje.

PULP FICTION

Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Productor: Lawrence Bender
Fotografía: Andrzej Sekula
Nacionalidad: USA
Año: 1994
Duración: 154 minutos
Productora: Miramax
Oscar: Guión Original
Nominaciones Oscar: Actor, Actor de Reparto, Actriz de Reparto, Director, Montaje, Película

Reparto: Tim Roth, Amanda Plummer, Laura Lovelace, John Travolta, Samuel L. Jackson, Phil LaMarr, Frank Whaley, Burr Steers, Bruce Willis, Ving Rhames, Paul Calderon, Bronagh Gallagher, Rosanna Arquette, Eric Stoltz, Uma Thurman, Jerome Patrick Hoban, Michael Gilden, Brenda Hillhouse, Christopher Walken

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Mejores escenas 1
Mejores escenas 2

Sinopsis: La película nos narra, modo comedia negra, lo más underground de Los Angeles, los bajos fondos con delicuentes a veces algo incompetentes. Vicent Vega (Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L Jackson) son un par de gorilas que cumpliendo órdenes deben recuperar un misterioso maletín de un grupo de ladrones aficionados. Por otra parte, su jefe le ha pedido a Vicent que haga de canguro de su mujer Mia (Uma Thurman), mientras él se va de viaje.
Una Banda Sonora de lujo, unos dialogos, repito, fabulosos, y una historia que sólo Tarantino podía narrar asi.

Crítica: El inefable Tarantino vuelve a demostrar su genial talento en esta brillantísima película de acción, con diálogos y toques de comedia delirantes (”Soy el sr. Lobo, resuelvo problemas”) al lado de escenas que rayan lo desagradable por su violencia y crudeza. Maravillosamente filmada, de nuevo sorprende su estructura narrativa y, de propina, resucitó para el cine a un Travolta gordito y magistral. Pulp Fiction es todo un clásico del cine moderno.

Curiosidades:

• Cuando el Señor Lobo apunta los nombres en su libreta para acudir a la ayuda de Vincent y Jules, vemos que se utiliza el mismo método que en "Reservoir Dogs" al asociar los nombres de los implicados a colores
• La espada que coge Butch en la tienda es la misma que utiliza Uma en "Kill Bill".
• La secuencia de entrada de Vincent Vega en el Jack Rabbit Slim's, realizando un largo plano-secuencia mediante una "steady-cam", es un homenaje a las mismas tomas de Martin Scorsese (véase la buenísima "Goodfellas").
• En un principio el papel de Lance tenía que ser interpretado por Quentin Tarantino y el de Jimmie por Eric Stoltz, pero Tarantino decidió que por su peso, quería estar detrás de la cámara en la escena del chute de adrenalina. Por esta razón, se intercambiaron los papeles
• En la conversación entre Mia y Vincent en el restaurante, concretamente en el momento en el que hablan del piloto que hizo ella, comentan como Mia formaba parte de un comando de 5 chicas: una rubia, una china, una negra, una francesa y la propia Mia (Uma Thurman) era la más letal del mundo con los cuchillos..., curiosamente esto coincide con las carácterísticas de las 5 chicas integrantes del "Escuadrón Víbora Letal" de "Kill Bill". Dudo mucho que sea una casualidad puesto que tengo entendido que el proyecto Kill Bill era algo que Tarantino tenía en la cabeza desde hace tiempo
• La escena en la que Butch se encuentra con Marcellus cruzando un paso de cebra, está tomada de la peli "Psicosis", de Alfred Hitchcock
• Mat Dillon iba a realizar el papel de Butch, pero Keitel le pasó a Willis el guión en una barbacoa y éste se interesó por el papel
• El personaje de John Travolta en"Pulp Fiction" es Vincent Vega. El personaje de Michael Madsen en "Reservoir Dogs" al que se conoce por Señor Rubio tiene como nombre real Vic Vega
• Las pistolas plateadas de Vincent y Jules que sacan del maletero al principio de la peli son las mismas de la banda de Reseroir Dogs
• Tanto la mayoría de secuencias y planos de la historia de Butch (el boxeador), como la discusión sobre los Mc' Donals, son parodiadas en un episodio de "Los Simpsons" llamado "22 Cortos sobre Springfield", en el cual el Jefe Wiggun sería Marcelus, el Serpiente sería Butch y el violador de la tienda sería Herman El Manco
• Esta película es la recopilación de tres guiones, que Tarantino había escrito para hacer cortos cuando era joven
• Steve Buscemi aparece en esta película, en calidad de camarero, es Buddy Holly
• La conversación de las pequeñas diferencias entre los armoniosos europeos holandeses y los temibles norteamericanos, entre Jules y Vincent, está inspirada en una conversación de Huckleberry en una entrega de "Loca academia de policía".
• Todos los relojes que se ven en la película están parados a las 4.20 minutos
• A consecuencia de que Miramax, distribuidora de la película, fue adquirida por Walt Disney, "Pulp Fiction" fue la primera película Disney en la que aparecieron escenas de sexo anal
• La escena en la que Jules y Vincent se presentan en casa de Jimmy, en el Valle, y en todo momento hablan del café para no tener que comentar el asunto del cadaver mutilado está inspirada en un sketch de los Monthy Python

EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUBO ALLI

Dirección: Joel Coen.
Año: 2001.
País: USA.
Duración: 116 min.
Guión: Joel Coen & Ethan Coen.
Producción: Ethan Coen.
Música: Carter Burwell.
Fotografía: Roger Deakins.
Montaje: Tricia Cooke y Roderick Jaynes (Joel Coen & Ethan Coen).
Diseño de producción: Dennis Gassner.
Vestuario: Mary Zophres.

Reparto: Billy Bob Thornton (Ed Crane), Frances McDormand (Doris Crane), Michael Badalucco (Frank Raffo), James Gandolfini (Big Dave), Katherine Borowitz (Ann Nirdlinger), Jon Polito (Creighton Tolliver), Scarlett Johansson (Birdy Abundas), Richard Jenkins (Walter Abundas), Tony Shalhoub (Freddy Riedenschneider), Adam Alexi-Malle (Jacques Carcanogues), Peter Schrum (William von Svenson).

Sinopsis: Ambientada en el verano de 1949, trata de un barbero llamado Ed (Billy Bob Thornton) en una pequeña localidad del norte de California. Barbero a su pesar, se conforma como el perfecto hombre gris al que la vida ya no le aporta ninguna satisfacción. Pero la infidelidad de su mujer Doris (Frances McDormand) le brinda una oportunidad para encontrar lo que él piensa que le ayudará a cambiar: un asesinato sin remordimientos.

Crítica (por Leandro Marques): Una característica que presentan en común las películas de los hermanos Joel y Ethan Coen sólo a la hora de los créditos: director y productor respectivamente gira en torno de la construcción delicada y profunda de sus personajes, entre los que casi siempre uno de ellos, con un rol de mayor preponderancia, se convierte en el eje a través del cual se desenvuelve la trama. Así sucede en "El gran Lebowski" con Jeff Bridges; en la excelente "Un paseo a la muerte", con Gabriel Byrne, también pasa en "Barton Fink", protagonizada por el brillante John Turturro, y puede verse en la mayoría del resto de sus trabajos.
Con "El hombre que nunca estuvo" (título en Argentina)*, su última producción, que le valió a Joel el premio al mejor director –compartido con David Lynch– en el festival de Cannes pasado, los realizadores no producen ningún punto de quiebre respecto a su ya clásica estructura narrativa. Pero hacen frente a ese marco de previsibilidad y expectativas que se genera al estreno de sus producciones con una obra que rezuma elegancia y sutileza.

Esta vez, con una magnífica actuación que sorpresivamente no le valió un lugar entre los nominados al Oscar 2002, es Billy Bob Thornton el elegido para encarnar al imperturbable y seco personaje principal: el peluquero Ed Crane. Crane casi no habla, fuma un cigarrillo tras de otro, y parece dócil a la hora de obedecer las órdenes de su egocéntrica e hiperactiva esposa (la siempre correcta Frances Mcdormand). Sin embargo, su mirada, su modo de ser y hacer y sus reflexiones transmiten algo inquietante. Descubrir de qué se trata será la tarea que genialmente la cinta tiene preparada para sus espectadores.
Sin apresuramientos, con un pausado manejo de los tiempos y los ritmos fílmicos, logrando que las escenas parezcan fluir una tras otra, preocupándose por dotar de belleza a cada encuadre, y con excelentes trabajos de fotografía e iluminación reforzando la turbia y densa atmósfera que transmite el blanco y negro, los hermanos Coen se cuelan en el mundo del peluquero. Que contextualizan con el acompañamiento de una banda de sonido maravillosa. Y juegan con la palpitante contradicción entre la quietud silenciosa de sus movimientos y la actividad incesante de sus pensamientos, que revela en off. Eso sí, fieles a su estilo, los autores nunca se interesan en ofrecer respuestas llanas ni concretas, sólo arrojan dudas y preguntas.

Quién es Ed Crane, qué quiere, el por qué de su comportamiento, deberá descubrirlo, de la manera que prefiera, el mismo espectador. El guión, creativo y original, sello de los Coen obtuvieron el Oscar al mejor guión con "Fargo", de 1996, también dispone de espacios vacíos, huecos, que le permitirán realizar una lectura propia. No sólo le permitirá, casi le exigirá un rol activo y tan inquieto como el mundo interior del protagonista. Ése es uno de los principales motivos para disfrutar del deleite que ofrece "El hombre que nunca estuvo": hacer justamente lo contrario a lo que sentencia su título, pero con el espectador. Que deberá "estar ahí", conectarse, si quiere salir del cine con la panza plena de placer.

APOCALYPSE NOW REDUX

Dirección: Francis Ford Coppola.
Año original: 1979.
Año redux: 2001.
País: USA.
Duración original: 153 min.
Duración redux: 205 min.
Guión: John Milius y Francis Ford Coppola; basado en la novela "El corazón de las tinieblas" de Joseph Conrad.
Producción: Francis Ford Coppola.
Música: Carmine Coppola, Francis Ford Coppola y Mickey Hart.
Fotografía: Vittorio Storaro.
Montaje: Lisa Fruchtman, Gerald B. Greenberg, Richard Marks y Walter Murch.
Diseño de producción: Dean Tavoularis.
Dirección artística: Angelo Graham.
Vestuario: Charle E. James.Decorados: George R. Nelson.
Estreno en España: 20 Septiembre 2002.

Reparto: Marlon Brando (Coronel Walter E. Kurtz), Robert Duvall (Teniente Coronel Bill Kilgore), Martin Sheen (Capitán Benjamin L. Willard), Frederic Forrest ('Chef' Jay Hicks), Albert Hall (Jefe Phillips), Sam Bottoms (Lance B. Johnson), Laurence Fishburne (Larry Fishburne), Dennis Hopper (reportero gráfico), G.D. Spradlin (Teniente General R. Corman), Harrison Ford (Coronel Lucas), Scott Glenn (Capitán Richard Colby).

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Escena_napalm

Sinopsis: El Capitán Willard, de las fuerzas especiales, es enviado al interior de la jungla ocupada por las fuerzas vietnamitas enemigas, con la misión secreta de eliminar al Coronel Kurtz, un extraordinario oficial americano convertido en semidios entre los nativos y que ha formado su propio ejército para librar la guerra a su modo, sin seguir ninguna directriz de sus mandos superiores. Sin embargo, a medida que durante su viaje Willard conoce más profundamente a Kurtz, su admiración por él va creciendo.

Crítica (por Mateo Sancho Cardiel): Cuando Francis Ford Coppola presentó en 1979 su película "Apocalyspse Now" en el Festival de Cannes, no la describió como una película sobre la Guerra de Vietnam, sino como la propia contienda captada por unas cámaras bien dirigidas, que la descalifican como documental. Ese año ganó la Palma de Oro, y veintidos años más tarde Coppola ha decidido reeditar la que es para muchos su obra maestra, tal como él hubiera querido: sin recortes ni censuras. El resultado es, en funciones, el mismo que el original, y la sensación general es la de que el material era prescindible anque interesante. Pero, desde luego, para los que hemos podido ver por primera vez esta película, el impacto ha sido tremendo, más aún cuando ha sido proyectada en loor de multitudes en el Velódromo de Anoeta.
Con una duración alargada de tres horas y veinticinco minutos, no hay mayor elogio que su ausencia de concesiones al aburrimiento. Es una película lenta, pero intensa, cargada de significado. Nos muestra los entresijos de una guerra en la que hubo gente que fue de viaje de estudios a un país que, aparentemente, no presentaba grandes dificultades, y se encontraron con la cara más dura de la vida, con una prensa que no contaba toda la verdad por no dañar el orgullo de los yanquies y enmascaraba un verdadero infierno. Por encima del dolor físico, se enfrentaban a un fuerte ataque psicológico, en una tierra agreste, ante un enemigo tenaz y con una situación de alarma continua. Gente sin preparación ni madurez, que lastraron una guerra por confiar demasiado en una superioridad inculcada en sus mentes desde que nacieron y que daba como consecuencia la insensatez y la irreponsabilidad. Se trata de escenas de guerra que son plasmadas en el celuloide con lirismo, con humanidad, con belleza, a través de la deslumbrante fotografía, de los perfectos ángulos de cámara y con la utilización particularísima de la música.
Pero, contradiciendo al director, creo que esta película tiene gran parte de factor cinematográfico, en el mejor sentido de la palabra. Porque, afortunadamente, no es sólo la guerra lo que sentimos, sino que nos apasionamos con la búsqueda del enigmático Coronel Kurtz. Un personaje tan bien construido desde la ausencia que acapara un extraño y malsano protagonismo, desbordado cuando se llega a ese universo dantesco que ha tomado como su hogar. Y es entonces cuando Marlon Brando aparece, entre luces y sombras, para culminar la película con una serie de secuencias del todo memorables. Es un psicópata de los que entusiasman, de los nacen fruto de la mentalidad fanática estadounidense y cuya filosofía de vida es tan aterradora como sugestiva. Un personaje cumbre en la película, que la determina y que influye directamente en la del resto de individuos: al interpretado de forma introspectiva por Martin Sheen, que seguirá la investigación y sentirá la contradicción entre la atracción y el rechazo, al de un desquiciado Dennis Hooper, rendido a su carisma o el de toda una comunidad de indígenas que lo adoran como su Dios.
"Apocalypse Now" es, en definitiva, una obra única en la Historia del Cine, por sus características, por su poder y por ser un filme redondo, efecto quizá más conseguido en la versión de 1979. Es la muestra de un talento grandioso de su irregular y muchas veces desconcertante director, de su plausible capacidad para controlar este enloquecido proyecto y conseguir, además, una de las obras maestras de todos los tiempos.

Curiosidades:

• Francis Ford Coppola rodó el bombardeo al campamento de Kurtz, aunque luego decidió no incluirlo en el montaje final. Mucha gente estaba combecida de que la película tenía dos finales posibles, lo que creó algo de confusión. Ahora se puede ver la secuencia en el dvd con la explicación del director.
• Se perdieron quince dias de rodaje porque Marlon Brando llegoó y no se sabía el papel. Necesitó quince días para memorizar pocas frases
• La película está basada en la novela "El Corazón de la Tinieblas", de Joseph Conrad. En la novela la acción se sitúa en África a finales del S. XIX.
• La película se rodó en Filipinas, y los helicópteros eran del ejército filipino. Coppola tuvo que cancelar un día de rodaje porque en medio del mismo, los helicópteros tuvieron que abandonarlo para atacar, con fuego real, a una facción disidente del presidente Ferdinand Marcos
• Francis Ford Coppola aparece en la película: es el cámara que rueda el desembarco de los soldados
• En una pared de la guarida-templo del coronel Kurtz hay escrito un graffiti con el nombre de la película
• Harvey Keitel iba a ser la definitiva elección para protagonizar la película, pero fue despedido por Coppola en pleno proceso de preproducción
• Marlon Brando dio innumerables dolores de cabeza al director durante toda la película.Tras llegar a un acuerdo con él para interpretar al coronel Kurtz, este se negó a viajar a Filipinas, habiendo cobrado ya un adelanto. Tras convencerle Coppola de que fuese al rodaje, este se presento exageradamente gordo y con la cabeza rasurada, por lo que obligó a rodar sus escenas en medio de tinieblas
• La escena inicial en la que Martin Sheen sale bailando frente a un espejo, la rodó bajo estado de embriagez, hasta el punto de que realmente se cortó la mano al pegarle un puñetazo al espejo
• Martin Sheen sufrió un infarto a mitad de rodaje, se llego a circular el rumor entre el equipo de la película de que había muerto, e incluso un sacerdote llego a aplicarle la extrema unción.
• Las dificultades que atravesó Coppola para encontrar un protagonista superan las de cualquier película conocida: desde Al Pacino, Robert Redford, pasando por Steve Mcqueen y Jack Nicholson, todos se negaron a participar en tan demencial rodaje; al final se tuvieron que conformar con el desconocido Martin Sheen

RESERVOIR DOGS

Año: 1992
Nacionalidad: EEUU
Género: Acción violenta Tarantiniesca
Dirección: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino
Premios: Mejor Película Festival Sundance (1992)

Reparto: Tim Roth, Harvey Keitel,Chris Penn, Steve Buscemi, Michael Madsen, lawrence Tierney, Randy Brooks, Kirk Baltz, Eddie Bunker, Quentin Tartantino

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Escena Tortura

Sinopsis: Una banda organizada formada por seis individuos, algunos desconocidos entre sí y con nombres supuestos, atracan una empresa para llevarse unos diamantes. Pero, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos mueren en el atraco y el resto se reúne en el lugar convenido.

Crítica: Para muchos estamos ante la mejor ópera prima de los noventa y una de las mejores películas "independientes" del cine americano de las últimas décadas. Un desconocido Quentin Tarantino sorprendió con un violento thriller sin apenas acción, de trama apasionante, ingeniosos diálogos, contundente banda sonora, puesta en escena calculada y un montaje espacio-temporal diferente. Un film genial que rebosa talento.

Curiosidades:

• Durante todo el rodaje estuvo presente un paramédico, para asegurarse que la cantidad de sangre del Sr. Naranja se mantuviera en cantidades creíbles
• Hay un nexo de unión entre esta peli y "Pulp Fiction", los hermanos Vega: Vincent y Dick, que no es otro que el señor Rubio. Cuando este último aparece en el despacho de Joe, el secretario le presenta como Dick Vega. Se ha hablado de la posibilidad de que Tarantino realice una precuela de esta dos pelis sobre la historia de los dos hermanos
• Steve Buscemi se quejó realmente ante Quentin Tarantino de ser el señor Rosa, tal y como sucede en la película
• A pesar de que el guión especifica que el Sr. Rubio es el que mayor cantidad de asesinatos cometió, el espectador no ha podido ser testigo de ninguno de ellos
• La interpretación que hace Tarantino de la canción "Like a Virgin" de Maddona no es correcta. Cuando, tiempo después, Quentin le pidio a Maddona que le autografiase su album "Erotica", ésta le escribio: "Quentin: Es sobre el amor, no sobre las pollas".
• La palabra "fuck" fue mencionada 252 veces a lo largo de la película
• En la escena de tortura del policía, Tarantino dejó al actor dos horas ahí atado para que se metiera en el personaje. Las cuerdas estaban muy apretadas para dar realismo
• Actores famosos hoy en día como George Clooney o James Woods aspiraron a un papel en esta película, de hecho James Woods despidió a su agente por ignorar el guión de Tarantino y no comentarle nada